Guillermo del Toro erigeix un monument a Frankenstein

Guillermo del Toro sol dir que, de nen, els seus millors amics eren els monstres que habitaven les ficcions en què buscava refugi d’una realitat opressiva, perquè els veia no com a amenaces, sinó com a éssers incompresos i injustament perseguits per humans que els culpen de les seves pròpies imperfeccions. I, entre tots ells, sens dubte, el que més ha influït la seva obra com a cineasta és la criatura protagonista de la novel·la que Mary Shelley va publicar el 1818. De fet, es pot dir que, d’una manera o d’una altra, totes les seves pel·lícules són variacions de l’adaptació que ha passat 30 anys intentant fer realitat. Finalment, el Frankenstein de Guillermo Del Toro existeix, i és una pel·lícula aclaparadora tant per la seva dimensió i la seva sumptuositat visual com per la intensitat del dolor, la melancolia i el patetisme que transmet.

No és, en qualsevol cas –i malgrat el que la devoció esmentada més amunt podria convidar a sospitar–, una obra paralitzada per la reverència al seu model; de fet, es pren més llibertats narratives respecte a les pàgines de Shelley que tant la pel·lícula dirigida per James Whale el 1931 com la protagonitzada per Robert De Niro el 1994, i, fins i tot, com la paròdia de Mel Brooks El jove Frankenstein (1974). Al cap i a la fi, i igual que el llibre original, totes elles parlaven dels perills potencials de l’ús descontrolat de la tecnologia i de les nefastes conseqüències que jugar a ser Déu comporta. Al llarg dels 149 minuts de metratge, la versió de Del Toro se centra sobretot en el mal psicològic que els pares poden causar als seus fills.

El mexicà en tot moment manté connectades les accions de Victor Frankenstein (Oscar Isaac) i les seves deficiències emocionals amb la mort prematura de la seva estimada mare, que el traumatitza, i l’ombra d’un pare extraordinàriament dominant i sever que estimula la seva ment però li atrofia el cor; és per això que, arribat el moment, el brillant doctor tracta la criatura que ha creat amb trossos de cadàvers i electricitat com a un fill no desitjat. I el monstre és un ésser innocent i inicialment fascinat pel món que l’envolta a qui, això sí, els abusos i el rebuig rebuts converteixen en una figura fosca i venjativa. A la seva pell, l’australià Jacob Elordi transmet amb devastadora subtilesa tota la humanitat i la fragilitat que oculta rere la seva formidable façana, i encarna a la perfecció la tragèdia poètica sobre la soledat, l’anhel de ser acceptat, la ferida incurable causada per la manca d’amor i el que ens converteix en éssers humans. "Vivim en temps de terror i intimidació, i en un present que ens empeny a una comprensió bipolar de la humanitat, però el que distingeix les persones és la seva condició multicromàtica", va explicar Del Toro ahir davant la premsa. "La pel·lícula reivindica el nostre dret a ser imperfectes i a entendre les imperfeccions de l’altre. Jo no tinc por de la intel·ligència artificial, tinc por de l’estupidesa natural, que és molt més abundant", va afegir.

Frankenstein és el segon llargmetratge del mexicà que competeix pel Lleó d’Or. Gràcies al primer, La forma del agua (2017), va aconseguir emportar-se el premi, i posteriorment també va guanyar els Oscars a la Millor Pel·lícula i a la Millor Direcció. Si ara ha obtingut de Netflix els recursos econòmics necessaris per fer realitat el seu somni, és en bona part gràcies a aquest triomf previ, i perquè els responsables de la companyia confien en el director i el seu estimat monstre perquè els proporcionin un bon grapat d’estatuetes. No és descartable que acabin aconseguint-ho.

Col·lecció d’escenes

El documentalista italià Gianfranco Rosi és la prova fefaent de com poden arribar a ser de capritxosos els repartiments de premis. El seu prestigi és menys el fruit del mereixement propi que dels demèrits aliens, ja siguin del jurat que li va atorgar el Lleó d’Or en aquest mateix festival per SacroGRA (2013) o dels cineastes que van guanyar l’Os d’Or de la Berlinale gràcies a Foc al mar (2016). Després de la presentació de Sotto le nuvole, la no-ficció per la qual torna a aspirar al màxim guardó que atorga la mostra, tant reconeixement continua sense justificar-se.

Rodada al llarg dels últims quatre anys als Camps Flegreus, una gran àrea a l’oest de la ciutat de Nàpols ubicada sobre una caldera volcànica i on, per tant, es registren terratrèmols amb gran freqüència, la pel·lícula va observant alternadament un grapat de personatges –la conservadora d’un museu, un grup de bombers que atenen emergències, un avi que fa classes particulars, un mariner d’origen sirià, uns arqueòlegs japonesos que treballen a les ruïnes de Pompeia– sense mostrar especial interès en ells ni utilitzar-los amb més intenció o sentit dramàtic identificables que la mera acumulació d’escenes. És una pel·lícula de 115 minuts, però que tindria la mateixa substància si en durés 15 o 426.

L’esperit de Faithfull

Notícies relacionades

Del Dúo Dinámico a Los Sírex: valorem als pioners

La rentrée literària es vesteix de gala: els millors llibres per llegir a la tardor

Broken English, que ahir van presentar a la mostra fora de concurs, comparteix la capacitat immersiva de 20.000 dies a la Terra (2014) –la seva mirada impressionista a la carrera de Nick Cave–, i exhibeix la mateixa llibertat i esperit rebel dels quals sempre va fer gal·la la seva protagonista, la britànica Marianne Faithfull.

Titulada com un dels discos essencials del seu protagonista, la pel·lícula utilitza un marc de ficció –una organització anomenada El ministerio de No Olvidar, liderada per Tilda Swinton– per retre homenatge a una artista que va passar més de sis dècades desafiant expectatives i reinventant-se constantment mentre lidiava amb la fama i el ferotge escrutini públic. Al llarg del metratge, una Faithfull notablement fràgil recorre els extensos arxius de la seva història, en què sovint apareix sotmesa a l’atroç sexisme de titulars de premsa i entrevistadors masculins que sistemàticament la consideren tan sols la nòvia de Mick Jagger o a una groupie sense talent, o es recreen amb les seves addiccions a les drogues i l’alcohol o el seu intent de suïcidi. Pollard i Forsyth tornen a la cantant la veu que gairebé va perdre per culpa d’aquests excessos mentre ens recorden que les dones, tradicionalment, han sigut relegades –i ho continuen sent encara– a les notes a peu de pàgina de la història del rock.