‘Hope’ i els seus monstres capgiren Canes

Michael Fassbender i Alicia Vikander són les presències més destacades del repartiment de la pel·lícula coreana presentada a competició al Festival de Canes, però això no es desprèn del seu contingut: de fet, ni tan sols apareixen en pantalla tal com els coneixem. En realitat, la gran estrella de Hope no és cap dels seus actors sinó el director, Na Hong-jin, convertit gràcies als seus tres llargmetratges previs a aquest –The Chaser (2008), The Yellow Sea (2010) i El extraño (2016), tots presentats en aquest certamen fora de concurs– en un autor de culte gràcies a la seva habilitat excepcional a l’hora d’unir diferents gèneres en un tot precisament cohesionat i absolutament original.

Primera pel·lícula que Na dirigeix en una dècada, Hope combina amb aquesta mateixa gràcia elements de misteri policial, de relat de terror, de comèdia negra, del tipus de cine d’acció que rebenta taquilles i fins i tot de western. La premissa argumental és d’allò més escarida: els habitants d’un petit poble s’han d’enfrontar a un grup d’extraterrestres gegants, dotats d’una força i una velocitat extraordinàries i aparentment indestructibles, que han arrasat la localitat i l’han sembrat de cadàvers. Fassbender i Vikander donen vida a dos d’aquests éssers mitjançant la tecnologia de captura de moviment. Mentre els contempla, la pel·lícula convida els amants de les metàfores a entendre-la com una reflexió sobre la destrucció que la ignorància porta, però es mostra més interessada a proporcionar-nos persecucions, tirotejos i altres moments de violència adornats de slapstick, enlluernadors per la seva inventiva i la seva plasticitat.

Cinema lleuger

Hi haurà qui qüestioni la inclusió d’una pel·lícula tan comercial com aquesta entre les aspirants a la Palma d’Or, i és una opinió respectable tot i que ningú més fa cine comercial com el de Na. En qualsevol cas, segur que el president del jurat d’aquest any, el cineasta Park Chan-wook, l’haurà gaudit moltíssim, i no només perquè ell també és coreà.

L’entreteniment lleuger i despreocupat representat per Hope va aportar un respir benvingut després de la tenebrositat que malgasta Moulin, el més destacable dels altres dos títols a competició a Canes presentats ahir. Dir que es tracta de la pel·lícula més accessible de l’hongarès László Nemes no és dir gaire; recordem que la seva aclamada opera prima, El hijo de Saúl (2015), explicava l’Holocaust a través d’un pla seqüència de gairebé dues hores protagonitzat per un rostre en primeríssim pla. Se centra en els últims dies de Jean Moulin, heroi i màrtir de la Resistència francesa durant la Segona Guerra Mundial, i per a això sembla dividir-se en dues parts: la primera és una col·lecció de converses murmuradores, la majoria entre espies que discuteixen plans impossibles de desxifrar per a l’espectador; durant la segona, ja capturat pels nazis, la protagonista és sotmesa a una successió de tortures durant els interrogatoris dirigits pel mateix Klaus Barbie, cap de la Gestapo conegut com el Carnisser de Lió, aquí retratat com un dolent de còmic que es retorçaria el bigoti en cas de tenir-lo. És una pel·lícula plena de virtuts estilístiques que, en alguns moments, recorre a la gramàtica del noir per desplegar un ampli catàleg d’imatges aclaparadores, però que resulta definitivament plana i tediosa des del punt de vista narratiu. Confirma allò que les pel·lícules de Nemes posteriors al seu magistral debut ja havien deixat entreveure: és un director exquisit en les formes, però despreocupat pel fons.

Notícies relacionades

¿Què és l’epidèmia dels punts blaus?

Shintaro Kago, "els tabús que ens atrauen"

Progressiva destrucció

Almenys durant bona part del seu metratge, Garance també presenta un personatge sotmès a un procés de destrucció progressiva, tot i que aquí el factor desencadenant no és el nazisme, sinó l’alcohol. Primer llargmetratge de la cineasta francesa Jeanne Herry, la pel·lícula acompanya una actriu de teatre al llarg de vuit anys, a mesura que la seva vida es va veient cada cop més condicionada per l’alcoholisme. La seva gran carta és la incontestable interpretació d’Adèle Exarchopoulos –guanyadora de la Palma d’Or gràcies al seu treball a La vida de Adèle (2013)–que la vehicula, però el retrat que fa de l’addicció és molt qüestionable per dos motius. Primer, és una pel·lícula menys interessada a explorar per què la seva protagonista sent una necessitat tan compulsiva de beure que en acontentar-se a observar-la mentre la beguda la va castigant. Segon, ofereix una visió excessivament esterilitzada de l’alcoholisme, que evita entrar de ple en els estralls personals, familiars i socials que aquesta malaltia pot arribar a causar.